Andrea Araneda

Andrea Araneda nació en Puntas Arenas el año 1970. Licenciada en Artes Plásticas, Universidad de Chile, Santiago. Se perfeccionó en Artes Gráficas en el Instituto de Porta Romana, Florencia, Italia. 

Desde el año 1998 ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas en Chile y en el extranjero.  

Andrea aborda las artes visuales utilizando diversas técnicas, siendo la pintura una de las recurrentes. el eje de su trabajo se fundamenta en el rescate de los errores, permitiendo un caos que se sincroniza durante el proceso, que no pretende ser ocultado y que busca evidenciar la contradicción de la existencia.  

              

                      

Propuesta Collage 1

Comencé pensando mi propuesta como un ensamblaje, algo que pudiera montar en casa, pero también poder sacarlo de ahí, armarlo tal vez en una plaza o parque cercano. 

Me llama la atención el poder trabajar con objetos cotidianos, lo que pueda encontrar en casa y con ellos formar algo armónico o llamativo. 

He dado muchas vueltas sobre mi propuesta. Aun no descarto totalmente la idea del ensamblaje. También pienso en hacer algo tipo collage, pero solo con cartón corrugado. Dibujar y cortar cada pieza que se pone en la mesa a la hora de almuerzo, incluso la comida, y armarlo sobre un soporte, como un bastidor o un cartón piedra preparado para esto. 

         

También he pensado en realizar un video en stop motion...si es que alcanza el tiempo...He "robado" un video de YouTube que me pareció interesante y puede servir de ejemplo si me decido a hacer un video. 

Realice unos bosquejos como secuencia para un posible video.

Daniel Spoerri: la vida alrededor de una mesa.

Daniel Spoerri (1930) es un artista y escritor suizo que ha sido llamado "la figura central del arte de posguerra europeo" y considerado unos de los más renombrados artistas del siglo XX. 

Es conocido por sus snare-pictures, un tipo de ensamblaje o arte de objetos, en los que captura los restos de comida de individuos, incluidos platos, cubiertos u vasos que acomoda sobre una tabla o una mesa que después se expone en una pared. 

Daniel Spoerri también es aclamado por su Anecdoted Topography of Chance, una analogía literaria de sus snare-pictures en la que trazó un mapa de todos los ubicados en su mesa en un momento particular, describiendo cada uno con sus recuerdos personales evocados por el objeto. 

     

Ensamblaje Artístico

 ¿Qué es el ensamblaje artístico? 

El ensamblaje artístico es una técnica que consta de la incorporación de objetos cotidianos en la creación de obras de arte. Aunque estos objetos adquieran un valor artístico o significativo cuando son utilizados como componentes de una pieza, siempre retienen su identidad de una forma u otra.

No es un término que aplica solamente a las obras tridimensionales. En muchos casos, una obra de ensamblaje artístico puede referirse también a construcciones planas creadas con objetos que no presentan deformaciones o levantamientos, como el papel periódico. 

El término de ensamblaje artístico fue acuñado a mediados del siglo pasado para referirse a un movimiento cultural e intelectual. Este movimiento surgió a principios del siglo XX, de la mano de varios artistas plásticos de todo el mundo. 

Otras formas de ensamblaje datan de mucho antes del siglo XX, en diversas culturas de la humanidad. Sin embargo, el término se refiere específicamente a las creaciones artísticas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, y todo lo que inspiraron subsecuentemente.

 Técnicas y sus Características

Creación

La técnica de creación de una obra de arte de ensamblaje es bastante diversa. Los artistas pueden utilizar cualquier tipo de técnica, siempre y cuando la obra de arte sea creada utilizando objetos poco comunes en el escenario artístico.

Por ejemplo, en la obra Asiento Trasero de un Dodge del '38, Edward Kienholz representó un escenario particular a gran escala, utilizando un vehículo caso completo y otros objetos como botellas de cerveza vacías, música pregrabada y cable. 

A su vez, otros artistas como el mismo Pablo Picasso crean obras de ensamblaje a menor escala, como se ven ejemplificadas en algunas de sus creaciones de naturaleza muerta.

Influencias Artísticas

La contribución más importante hecha al estilo de ensamblaje artístico vino dada por varios artistas destacados, cuyas características individuales fueron forma a un estilo que se popularizó más y más, conforme pasaron los años. 

Es por esto que las primeras obras de ensamblaje artístico tienen toques de postmodernismo. Estos se ven representados en la utilización de objetos modernos y del día a día o, en muchos casos, imágenes de estos mismo objetos. Entre estos destacan cajas, zapatos viejos, latas de frijoles, partes de maquinas y muchas otras.  

Utilización de materiales

Una de las características principales del ensamblaje artístico es la utilización de materiales que no fueron creados con un fin artístico para crear obras de arte.

Es decir, los objetos que se utilizan en el ensamblaje siempre van a ser objetos que no tienen valor artístico, pero la acumulación de todos en una forma especifica crea una obra de arte.

En pocas palabras, los objetos usados para crear un ensamblaje pueden ser naturales, prefabricados o manufacturados. Lo importante es que no tengan como objetivo principal ser usados para la creación de obras de arte, sino que tengan fines diferentes.  

Tamaño

Una obra de ensamblaje artístico puede variar en tamaño y no se limita a creaciones pequeñas, como cuadros y esculturas de pocas proporciones. De hecho, los artistas que crean estas obras son los responsables de decidir que tamaño tendrán. El tamaño se ve influenciado por los objetos que use cada artista para dar forma a su creación.  

En su obra El Tiempo de Todo, creada por Arman en París, el artista utiliza una gran cantidad de relojes para crear una torre. 

Esta obra representa el ejemplo de la versatilidad con la que e puede tratar el ensamblaje artístico, pues la forma de los objetos que se utilicen y la manera en la que se coloquen para crear la obra de arte le da una identidad y un tamaño particular a cada pieza artística. 

                                                                                  Tipos

Collages 

Los collages utilizando objetos del día a día son una clara representación del ensamblaje artístico. Uno de los principales artistas en utilizar esta técnica fue Jean Dubuffet. De hecho, fue él quien le dio el nombre de "ensamblaje" al método, al nombrar a sus primeros collages como ensamblaje de imágenes. 

Esculturas 

La escultura es la forma más evidente de crear representaciones de ensamblaje artístico. Muchos de los artistas que utilizan esta técnica suelen crear obras a mayor escala, dada la facilidad con la que se pueden adaptar los objetos. 

La escultura es la forma más evidente de crear representaciones de ensamblaje artístico. Muchos de los artistas que utilizan esta técnica suelen crear obras a mayor escala, dada la facilidad con la que se pueden adaptar los objetos a un ambiente de gran tamaño.

La técnica de ensamblaje da a los artistas la posibilidad de trabajar de una forma en la que la pintura no siempre lo permite y, por lo tanto, es común que se creen esculturas formadas de objetos cotidianos. 

Hannah Höch

Diseñadora textil, escritora y pintora, Höch (1889-1978), es la primera mujer dadaísta reconocida de la escena berlinesa en un entorno en el que las féminas no eran bien recibidas. 

A través de su collage y usando la más refinada de las ironías, fue capaz de transmitir la expresión de una nueva mujer fuerte y libre. 

Su late motiv fue la reinvención del papel de la mujer en la sociedad. Desde el inicio de su obra, denunció continuamente su entorno machista y misógino en un mundo donde la mujer no aspiraba a la igualdad en ningún ámbito. 

                     

Raoul Haussman fue quien marcó un antes y un después en su vida artística. Aunque también mantuvieron una relación extra matrimonial, fue gracias a él que descubrió el proceso de creación de fotomontaje. Este fenómeno se plasma en su obra como el desarrollo de un servicio de una nueva concepción del cuerpo de la mujer. 

Sin renunciar a los que había hecho hasta entonces (pinturas y acuarelas de carácter geométrico), Höch creo figuras humanas que juegan a la ironía y que mezclan rasgos europeos, japoneses y africanos en sus personajes. 

También le fascina el recién creado movimiento feminista y el avance que supone para la sociedad, por lo que muchas de sus obras giran en torno a la imagen frívola que muchos medios transmiten sobre lo que entienden como la nueva mujer, así como otras de temática andrógina sobre el amor lésbico. 

Siendo evidente el talento y el poder de critica de Höch, el entorno de Hausmann no la tomó en serio y casi rechazó su participación en la Primera Feria Internacional de Dada en Berlín en 1920, un escaparate del movimiento. 

No fueron los dadaístas los únicos que no aceptaron a Höch por el simple hecho de ser mujer, pues el artista estadounidense Robert Motherwell en 1951 no la quiso incluir en su estudio del movimiento titulado Dada Pintores y Poetas. 

Rebeca Elizegi

La obra de Rebeca Elizegi trae sin duda esos aires de las vanguardias de principios del siglo XX. La idea de experimentación, de ruptura, de novedad, de búsqueda del shock en el espectador que desarrollaron movimientos como el dadaísmo y el surrealismo, lenguajes inspiradores para la artista. 

Una experimentación que no solo se produjo a nivel creativo, sino que implico también nuevas formas de mirar y nuevas formas de verse en el mundo, especialmente en el caso de las mujeres artistas, muchas de las cuales marcaron las líneas de investigación del arte feminista. Ellas trabajaron en una constante exploración de la identidad, el cuerpo, la imagen, los procesos creativos en un mundo en un constante procesos de cambio, que incluía al menos la posibilidad de empezar a valorarse en primera persona y a hacerse preguntas. Empezar a cuestionar, de alguna manera, todo lo impuesto y establecido como universal para el género femenino, aunque no sin enfrentarse a las fuertes barreras de género que los principales integrantes de los movimientos de vanguardia tampoco se interesaron en romper. 

A través de sus collages artesanales, Rebeka Elizegi, nos devuelve a ese mundo experimental y critico bajo una mirada actual. Con sus figuras volumétricas de diversos materiales y formatos, muestra un universo propio en el que la figura femenina también se convierte en eje central de su obra, sin dejar de lado otros temas como la diversidad de género o cuestiones de ámbito social. 

La Llorona - serie de 10 piezas

                      

 

             

Collage, el divino corta-pega.

 El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos en un todo unificado. Manipulando diversos materiales utilizados como materia prima tales como periódicos viejos, revistas, papeles de colores o embalaje, fragmentos de fotos, telas, materiales solidos, pintura acumulada, etc., y disponerlos sobre un espacio plano y en un cierto orden es el objetivo perseguido. a través del manejo de estos materiales se logra como resultado la creación de una composición original e imaginativa. 

Tiene su origen en China, pero es a principio del siglo XX cuando lo encontramos convertido en una practica artística de relevancia resultado de las investigaciones de los cubistas Braque, Gris y Picasso. 

"Naturaleza muerta con silla trenzada" de Pablo Picasso en Mayo del año 1912 marca el inicio del empleo del collage, los papiers collés, palabra del francés coller, que significa pegar. 

Surge en el cubismo por la necesidad que sentían estos artistas de reestructurar el espacio pictórico. Pero es una práctica que se extiende hasta nuestros días como uno de los grandes aportes del cubismo al arte de las vanguardias. Entre los artistas más representativos que han usado esta técnica podemos citas a Max Ernst, Juan Gris, Schwitters, Georges Braque, Marcel Duchamp, Man Ray. 

Con Schwitters el collage adquiere otras dimensiones, comienza a utilizar materiales de desecho, una estética de los desperdicios que nos habla de la nueva civilización industrial.

El collage forma parte de las expresiones más significativas del siglo XX y su impronta puede apreciarse en las expresiones artísticas posteriores. Su prestigio y relevancia para las artes plásticas son incuestionables. 

Richard Hamilton uno de los pioneros del movimiento Pop Art marca otro hito con su obra "¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan atractivos?" en la que decide pegar en cartulina todo tipo de imágenes sacadas de revistas, imágenes conscientemente seleccionadas de revistas sobre el hogar y la vida ideal que proporciona la sociedad de consumo. 

Contrastes/Linea/Mancha

Anotaciones de 3 minutos donde se dibuja el contorno de la modelo, tratando de darle expresividad a la línea. Se toman algunas de estas anotaciones para crear contraste con el fondo aplicando manchas que den luz y sombra a la composición. También se agregan texturas para lograr este efecto. 

         Fondo hecho con pincel duro, ramita de hinojo                                    Dintorno

Fondo hecho con tinta china sobre el papel húmedo. 

Con pincel se aplica una gota de tinta que se esparce en el agua que queda sobre el papel. 

Agregando texturas: 

En la primera composición seguí agregando el fondo con la ramita de hinojo, agregue textura con un bajalengua dentado y el dintorno de la modelo con pincel humedeciendo el papel. 

En la segunda composición intente hacer el fondo con arroz sin bien resultado (creo), agregue textura secando al tinta con una toalla nova.  

El dintorno de la modelo me quedo demasiado claro en las 4 composiciones. Sentí miedo de arreglar eso y echar a perder todo el trabajo. 

En ambas fotos deje el fondo como lo trabaje anteriormente, no quise ampliarlo y cometer un error, además me es agradable como se ve. En la primera foto agregue texturas secando la tinta con toalla nova y en la segunda con un bajalengua. 

Después de los sucedido con el arroz, probé texturas en otra hoja de la bitácora con resultados no muy favorables razón por la que las composiciones cuentan con poca diversidad de texturas. 

Edite las fotos con una aplicación para resaltar más el negro de la tinta.

Gesto, huella, mancha

Se debe establecer una relación con el grafito para lograr, a través de la presión sobre la superficie, un gesto gráfico. La mancha nos ayuda a la representación de luz y sombra, teniendo como referente a la modelo, fijándonos en su contorno, en su volumen. 

Ejercicios realizados con barra grafito natural Derwent suave. 

Me encanto este grafito, deja un residuo parecido al carboncillo que permite expandir el grafito y lograr medio tonos entre la luz y la sombra. 

He vuelto a realizar este ejercicio, los trabajos anteriores ocupe el dedo para extender el grafito 😢 (un error cometido por ser despistada). Ocupe barras de grafito de 8B y 9B. Apreté más el grafito sobre el papel en las partes donde la modelo tenia mayor oscuridad.